摄制天下(http://pushtv.blogspot.com): 2007

2007年5月2日星期三

广告影视公司该怎么做业务

公司刚起步业务是关键,推销是在所难免,但精力毕竟有限. 如果你们技术还可以能做出比较好的片头、广告,那广告公司就是你们的主要客户了,现在这块大多数是传统广告公司在做,而他们接到单后就是找专门做后期的公司. 所以我强烈推荐你去找广告公司合作!

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我回答会不会买＂影视图书＂的问卷调查

我的基本信息：

性别：
男（√）女（）

年龄：
18岁以下（） 18-25岁（√） 25-35岁（） 35-50岁（）50岁以上（）

您的职业：
a学生（） b公司职员（√） c公务员（） d退休（） e其他（）

家庭月收入情况：
1000元以下（） 1000-3000元（√） 3000-5000元（） 5000-8000元（） 8000以上（）

您目前的文化程度：
小学（）中学（）高中（）大学（√）其他（）

2您喜爱的影视剧类型：
青春偶像剧　中外经典名著　科幻片　喜剧历史剧（√）恐怖类　其他

3您认为如果您将购买喜爱的影视剧相关图书目的是：
a收藏 b弥补没有看全的部分(√) c其他（）

4您会购买您喜爱的影视剧书籍吗？
a会(√) b不一定 c不会 d其他

5您认为影视剧书籍装桢档次适宜的是：
a平装（） b精装（√）

6您认为影视剧书籍的价格定在哪个层次比较合适：
a10-20元 b20-30元(√) c30-50元 d其他

7您购买过影视剧书籍吗？
a买过（√）

8您对现有的影视剧书籍满意程度：
a很不满意 b不满意 c满意 d比较满意(√) e很满意

9您今后愿意继续购买影视剧书籍吗？
a愿意(√) b不愿意 c不知道

关于影视公司王婆卖瓜自卖自夸的问题!

今天在百度知道里看到有的影视公司专门介绍一些看起来很权威很正规的东西,看起来好象是在为客户着想,事实上他们是在为自己打广告.如果真是为了客户好还为什么要留下自己的公司名和电话号码呢!有什么意思?
摄制天下不喜欢这种企业,你们真的有很强的实力吗?如果有,那你还在这里做什么业务?做什么宣传?如果我的企业很有实力业务都做不来,哪有那么多工夫在百度知道里面做宣传.
我还是推荐大多多上一些不是以赢利为目的且比较正规的网站多多了解一下情况,多多听网友的评价来决定是不是考虑把片子给该影视公司做!

2007年5月1日星期二

从我的影视从业经历看影视

成为一个电影摄像师一直都是摄像师梦寐以求的事,他们特别希望能通过自己的镜头拍出优秀的影视作品,而电影摄像师这份职业究竟如何才能的到呢?这里就技术成分也有运气成分,但往往这两项都是需要同时具备的才能达到目的.
1.电影摄像师最起码的素质:
大学毕业,最好是摄像专业(,如果不是该专业的也没有关系,事在人为,有很多优秀摄像师之前学习的是其他专业)吃苦肯砖言、具备一定的审美观和理念
2.从业
电影摄像师一定是从最基层做起的,如果你没有一点的摄像经验那最好的办法是拜师,只有这样你才能学到最实在的东西,这期间比较辛苦,一般都是抗三角架,打打杂,帮师傅帮忙,如果你师傅是拍专题片、广告片、晚会等活动的话,基本上2年左右你就能掌握基本技能,而且可以单独操作.

二、我的经历
我所在的公司是一个影像工作室,业务还可以.,做专题片,广告片,形象片,晚会全场录,结婚录象等,而我刚去什么都不知道,公司只给我600元,说给我提供学习的平台,只要把这个学好了将来就能赚大钱,所以我也没想那么多,干!于是干起了由人家使唤的人,抗角架,跑腿、打杂,真难!慢慢的我开始派结婚录象也涉及到专题片、晚会.在这段时间里,我的制作技术有很大的提升,PREMIERE AE 3dmax 都还入门了.现在我已经干了一年了.可是工资还是高不了,起步太低,人家见我学东西就不多给,所以决定出去闯闯,反正基本功已经有了.打算五一假过后去人才市场转转,希望有机会.

新手用DV必学教程

随着人们生活水平的提高，数码摄像机已越来越多地走进普通家庭和单位，用它来拍摄一些家庭聚会、生活细节、旅游游记等录像，然后刻录成光盘，到闲暇时拿出来看看，岂不快哉！我们近期将请曾庆祝先生，针对新手，介绍数码摄像机的使用方法与操作技巧，让您轻松地拍摄使用自己的DV，制作满意的数码影片。新手学摄像----调整镜头的焦距在实际摄像过程中，物距是经常变动的，因此常常会超出景深范围而导致图像模糊。为了使图像保持清晰，就必须不断改变镜头的焦点位置，使成像面始终落在焦深以内。这里就要进行不断的调节焦点，使影像更清晰。下面我们将向您介绍让DV聚焦更清晰的方法。

一、自动聚焦
通常DV采用的是主动式聚焦，其原理就是当镜头对准目标时，由装置在摄像机镜头内下方的一组发射器，发出红外线或超声波，经被摄物体反射回来后，再由摄像机的红外线传感器或超声波传感器接收下来，从而测定出距离，根据测定的距离驱动摄像机的聚焦装置聚实焦点。当摄像机处于自动聚焦状态下，不需进行任何调整，摄像机的自动聚焦电路便可以把聚焦调整到最佳状态。在实际操作过程中，一般都是将变焦距镜头推到广角位置（W）再进行聚焦，因这时景深范围大，如图1，可以很容易地将焦点聚实。我们通过取景器观察图像的清晰度情况，直到满意为止。聚实焦点之后，再推拉变焦拉杆将镜头调整到所希望的构图景别上，焦点在变焦过程中不会变化。小提示：运用自动聚焦时镜头拍摄中尽量不变焦点。移动时注意保持与被拍摄主体的距离，不要与预先确定的距离相差太大，拍摄中千万不要尝试手动找焦点。拍摄时应避免前后景光线强度的剧烈变化，如果焦点在前景，后景突然变得很亮时，机器自己会在瞬间来回找一找焦点，看起来就是焦点的抖动。另外，拍摄时应避免被摄物前有走动的物体影响红外线测距。小技巧：自动聚焦系统受被摄体亮度的影响很大。光线充足时，自动光圈缩小，景深变深，对焦范围变宽，对焦容易。在拍摄照明暗的被摄体时，由于镜头光圈大开，景深变浅，聚焦会困难。最好的解决方法是增加被摄体的照度。

二、手动聚焦的场景
DV虽然全部采用自动对焦，但是在某些特殊情况下，画面的焦距就没有那么稳定了。如在下述拍摄条件下，自动焦点装置往往会发生错误判断，此时需要使用手动聚焦： 1、拍摄时只有画面中央很小范围是自动焦点的检测范围，这一小范围内的物体的焦点能够自动聚实，也就是说如果被摄物体不在画面中央这一范围内，自动聚焦就会出现偏差。如图2。
2、自动聚焦系统受光线、亮度、被摄物等条件的影响很大，在一些特殊情况下会出现聚焦偏差，因此在这些场合最好还是使用手动聚焦比较保险。如被拍摄对象光线太暗或现场光线严重不足(如晚上拍烟花)；拍摄反差太弱或无垂直轮廓的目标物，如一面白墙可能会变的模糊不清；拍摄表面有光泽、光线反射太强或周围太亮的目标物，被摄目标会模糊不清。
3、拍摄对象前后排列；
4、所拍摄的物体—端离摄像机很近，另一端离得很远。摄像镜头是有一定景深的，对于超出其景深范围的被拍摄物，摄像机不能聚焦于一个同时位于前景和背景的物体。
5、透过模糊的玻璃拍摄，这是因为会聚焦于玻璃，而不会聚焦于玻璃后面的物体，玻璃窗前拍摄请贴紧玻璃拍摄，如玻璃缸中的金鱼；
6、拍摄快速运动物体的对焦较难。由于聚焦镜头内部是机械式运动，不可能与快速移动物体保持同步。当系统追踪拍摄时，会使得景物波动于失焦和准焦两种状态。如图3。
7、拍摄在栏栅、网、成排的树或柱子后的主体，如动物园中笼中的动物；
8、在移动物体后面的目标物。自动聚焦系统会把移动物体误认为是被拍摄目标而进行聚焦； 9、如果你的摄像机是以红外线或超声波的方式自动聚焦的，当被摄体能吸收红外线或超声波时对焦困难；被摄体距离太远红外线或超声波达不到被摄体时对焦困难

篮球比赛中那种摄像技术怎么做到的？

本文章由摄制天下(http://pushtv.bolgspot.com)整理

1. 摄像师能力:
这种比赛对摄像师要求极为严格,首先是在技术方面要绝对的经验丰富,否则不能和摄像师很好的配合完成整个摄像工作.

2.多机位:
只要稍微懂摄像的都知道,要完成一场最低级比赛的摄制至少要有6~10台摄像机,
他们从不同的角度,不同景别进行拍摄,而大型NBA摄像机则多大26台只2多

3.协调:
任何事情都会因为突发事件临时变动,在现场直播时,如果不在赛前做好所有的准备工作,就不能很好的进行摄制,这需要有协调能力很强、具备多年的比赛摄像协调经验

4:变焦:
摄像机的镜头采用变镜头，跟焦还要好，对运动员的移动速度等等方面都掌握的好
这样才能保证摄像质量.

今天是5.1放假第一天

欢迎大家登陆

2007年4月30日星期一

基于音频工作站的录音和混音编辑

传统的专业录音棚一次性投资大,设备造价昂贵, 维护起来也不容易。当前流行做法依然是采用外围硬件设备(如效果器,噪声门等), 实时地对声音进行混合录制、编辑处理，稍有不慎，就有可能功亏一篑，既浪费时间又浪费资源。但是数字时代业已到来,计算机微处理器主频率也已经大大提高，上千兆赫兹主频的工作站能够胜任通过各种仿真软件采样、量化、编码声音信息。模拟硬件设备进行数字处理的硬盘编辑掀起了新的高潮。硬盘编辑一次性投入低；方便模拟多种录音外围和处理设备；节省传统硬件设备投资；而且速度快、效果好；大大节省时间和资源；维护起来也很方便。充分利用功能强大的混音软件和音频工作站的处理能力模拟专业的效果设备和混音设备，完成对声音的录制，非线性编辑和效果处理，以及最后混音输出制作成CD唱片。此举可以充分利用资源，减少专业设备的投资；节省时间，大大提高采编和混音的工作效率，而效果也不会亚于专业的音频设备。系统组成软件采用Cool Edit Pro Version 1.1。Cool Edit 由美国Syntrillium软件公司开发,是一款基于Microsoft Windows平台的音频非线性编辑和混音软件，处理速度快,界面友好,功能强大,软件自身提供上百种比较专业的处理模板。软件能提供高达48kHz的数字采样率和32比特解析度(需硬件支持),高记录声音并能制作出CD音质的声音剪辑。强大的效果处理，足以和效果器、均衡器、降噪器等硬件设备相比。如软件的降噪功能，采用快速傅氏变换算法FFT 和IIR数字滤波器，并可调FFT算法的节点，对噪声进行可调节筛选滤除(见图1)。软件对声音的延迟，混响和过滤，以及高达30 波段参数均衡也相当出色。最多可达64轨的强大混音功能，也是该软件能胜任数字混音编辑的重要原因。调音台采用美国百威Peavey的Unity 1002－8 RQ 八轨调音台，具有话筒前置放大，8路低阻抗XLR平衡式话筒输入或高阻抗TRS 6.35mm，平衡式线路输入；3波段参数均衡；1路监听输出，1路效果输出，主输出：立体声左和右两路输出；60mm推杆式输出电位器。该调音台能满足小型录音混音的充分需要，紧密配合软件的录音混音功能，是一款比较实惠的配置。话筒采用美国舒尔Shure Ksm32电容式话筒，它具有极低的自噪及宽阔的动态范围，完全能满足高品质录音的需求。Ksm32 有一个15dB的衰减切换，用以处理那些极高的声压电平。因此，它能针对不同声源，包括人声，器乐声，风琴，合唱，鼓声和打击乐器的不同要求来灵活处理。总谐波失真＜0.08%，信噪比81dB，采用金黄色专业音频用三芯（XLR）连结头。音频工作站，采用主频为1200MHz的Pentium 4 处理器。配备512MB DDR RAM，速度是以前SDRAM的2～4倍，Maxtor 60GB 7200rpm硬盘驱动器，为混音和编辑提供强大的处理能力和储存空间。并且配备有三星康宝刻录机，能方便地将编辑好的声音剪辑刻录制成CD。声卡选用Creative Sound Blaster Live! Platinum 5.1，音频处理芯片为EMU10K1，EMU10K1音频处理器是目前除EMU10K2外功能最强大集成的音乐、音频及效果引擎。每个信号都能在32位，192dB和48kHz模式下通过8点插值处理产生32个3D硬件加速通道、64个硬件加速通道或1024复音进行声音的平滑，实时提高所有音源的质量。它还提供超越昂贵的专业效果设备的实时效果如：混音，和声，滑音，回声和变调等。录音回放采样率48kHz，深度为16比特，信噪比96dB，支持环境音效(EAX)、DirectSound 3D、DirectSound。面板上配备有S/P DIF 输入输出接口，模拟音频输入接口、麦克输入接口。从流程图可以看到从调音台混合初录的声音直接进入音频工作站，然后在工作站上完成后期的处理。用硬盘录制音源，可以极大方便地进行非线性录制而不受时间线性的影响。即如果有某一小段录制错误，无需从头开始，只需设置好合适的再录起始点，重新录制错误需重录的部分，然后由软件实现无缝衔接或是任意调换段序，这是普通剪辑机无可比拟的。 1．新建Windows PCM Wave波形文件，设置好采样频率（一般而言44.1kHz采样率和16比特深度，足以达到CD音质）。试录几次以确定好合适的录制音量，视两个声道的波形峰值而定，录制波形波峰不应出现幅度过大而造成削波失真。2．对已录制波形文件进行后期处理，包括降噪、延时、混响、均衡等处理，软件均提供了方便熟悉快捷的操作界面。3．将分期录制的声音通过Cool Edit 强大的混音平台混合输出。得到最终输出的Wave波形文件。如两轨分期录制的音源合成的操作界面，可以分别对单轨进行音量、声道平衡、速率和频率的单个节点微调。功能强大，合成起来方便快捷。4．将输出的Wave波形文件灌制成CD唱片或是制成Microsoft ASF（Advanced Streaming Format）格式的流媒体文件发布到互联网。伴随着数字时代的来临，用软件算法模拟硬件已是一大趋势，业内有句名言：“能用最少的投资获得最大的收益便是强强者！”，高速的微处理器能够完全支持软件对信号进行取样，量化、处理进而可以模拟昂贵的硬件设备完成相应的处理，得到不亚于专业效果设备所产生的特效。数字时代的口号就是“让数字真正走进人们的生活！”，随着计算机产业的迅猛发展，软件易维护、投资低、速度快、效率高、效果好的特点会被越来越多的人所接受，用软件实现模拟和取代硬件设备已不再遥远。

数字视频剪辑的一般常识

所谓数字影片剪辑就是用数字的方式来剪辑影片，透过数字化的影片资料，剪辑者可以在电脑上利用各式软件来编辑影片，举凡单纯的影片剪接、字幕、转场特效、多轨合成...甚至3D动画，都能利用日新月异的软件来完成。也由於数字化的剪辑带来相当多革命性的优点，例如剪辑不失真、准确的剪辑点(Edit Point)及数字化的影片位置…让剪辑不需如传统般，非得从头一步步剪，可以任意剪辑影片中的某一部份，这也是数字影片剪辑又称"非线性" 剪辑的原因。依所使用的摄影机(格式)的不同，数字影片剪辑自然也有不同的对应系统。不过大致上来说，都是以下列的流程来表示: 摄影机输入→截取至电脑硬碟(成为数字档案→编辑软体→输出影片 (如录影带、VideoCD、SVCD DVD等) 其中摄影机及编辑软体是比较容易了解的部份，最需要解释的是影片如何输入电脑及输出的部份，而这也是为何有如此多等级价位剪辑系统的最大变数，而通常这个部份就是所谓的影片输入/输出介面卡(捕捉卡)。现在，我们就从影片如何输入电脑开始谈起。一般而言，影片的资料是由摄影机所摄取，每种摄影系统有不同的规格，如有 V8、Hi8、VHS、S-VHS、Betacam 及现正流行的 DV 或 D8，而在这些规格中又区分为模拟或数字方式，如 V8、Hi8、VHS、S-VHS、Betacam为模拟式记录影片，DV 及 D8 则以数字方式记录。如使用模拟式摄影机，要将影片输入电脑则需经过相当程度的资料压缩(Compression)，因为视讯资料所需的容量相当庞大，例如国内的 PAL 视频系统，每秒需传递 25 幅图象，如在不压缩状态下，每秒至少需要 20MB 的容量，实在不是一般电脑所能负荷的。而且随着摄影机的等级不同，适当的压缩是不会影响画质的。这也是您常会在剪辑系统的说明中看到所谓的压缩方式(CODEC: Compression and Decompression)及压缩比(Compression Ratio)。目前最常使用的压缩方式(CODEC)有 M-JPEG、MPEG 及 DV；而压缩比自然牵涉到画质的好坏，越高的压缩比代表画质越失真。所以在挑选数字剪辑系统时，更重要的是要根据自己的摄影机等级来选择对应压缩比的系统。 M-JPEG(Motion JPEG): 适合复杂的剪辑 MPEG: 档案最小、适合存档或传递 (如VideoOnDemand、VideoCD、DVD) DV: 全数字化资料、适合复杂的剪辑、100%不失真现正流行的DV或D8数字式摄影机(以下简称DV)，由於DV是直接在摄影时就将影片以 DV 数字编码(DV CODEC、压缩比5:1、3.6MB/sec)的方式储存，在输入电脑时只需连接专为 DV 设计的 IEEE1394 (i.LINK) 端子，将影片直接传入电脑中，就像 COPY 档案，中间不需模拟转数字的过程，因此影片在整个剪辑过程中完全不失真，是最理想的数字影片编辑方式。在输出影片时，一般的数字影片剪辑系统都具有直接输出影片的功能，例如我们常用的 Adobe Premiere6.0 和 Ulead MadiaStudio Pro6.0 等软件，您只要在电脑中剪辑好的数字影片，透过介面卡上的双向输入与输出端子连接您的摄影机就可将编辑好的图象录回录影带。当然您也可以将现成的档案，利用电脑来播放。但这里您必须考虑到档案大小的问题，通常供他人在电脑中播放的影片需较小的档案，因此您就必须透过影片编辑软件的功能将影片以不同的压缩方式(CODEC)来压缩更小的档案，(通常编辑软件中都已内建这些功能)，如压成 MPEG或 Cinepak 的 AVI。甚至如要在网路播放，最好利用 Streaming 的格式储存。如果要存成 VideoCD SVCD (或DVD)，您则需要相对应的 VideoCD SVCD (或DVD)烧录软件及 CD-R(或DVD-R) 来制作。最後，数字影片剪辑真的带给你无限的创作满足感，任何人都能用自己的电脑剪辑出自己的作品，人人都可以当导演。

白闪的应用

有人问为何有些片子仅仅是硬切而已，但却看起来很流畅，其实一个片子的流畅与否与使用了多少转场特技没有关系，电影中的剪辑方法无非是：1硬切、2叠化、3淡入淡出。很少使用一些稀奇古怪的转场。但是能够达到让你根本不注意这些细节而被情节所吸引，这就是剪辑的精髓所在：用画面讲故事。hqc老师指出流畅的秘诀是动接动，其实这并不是唯一方法，剪辑还有静接静、动接静、静接动，效果要因片而异，都一样能剪出很流畅的片子。画面剪辑其实没有太多的限制，可以自由发挥，但是有一些准则是不能违背，比如说动接动：
1：既然是动接动，那么画面就不能是死的（固定画面），必须要有"推拉摇移跟升降"中的任意一个，如果碰上死画面，到PM或AE等软件中作推拉！！清晰度虽然有一点损失，但比起损失画面流畅感来说，要划算得多。
2:两个画面不能是相同景别相似机位（通常情况下，同机位剪辑是大忌，除非你追求特殊效果）
3：不能等画面运动到落幅才接,（简单说快定住或定住后）这样会影响流畅感，很多人以为画面一定要长到看清楚才行，其实画面剪辑也是一种调动人想象力的技巧，一个很短的镜头因为人的经验、想象，自然而然的把未表现的内容当成是已表现。
4：动的要有根据。如果是一个人在到茶壶喝水，那么镜头的逻辑关系就应该是：手拿茶壶、开盖（如果有）、另一只手拿杯子、倒水、水满......（基本上正常的规律），如果顺序颠倒，这组镜头就会看起来别扭。
5：注意节奏。节奏有两种，
（1）所表现的事物的内在逻辑关系形成的内在节奏。这是本来就有的。（2）：外加的如音乐、噪声、这是人为的、利用外加因素控制节奏。一条片子不能没有节奏，所谓流畅感其实就是剪辑中的节奏对人的冲击带来的心理影响。呵呵呵呵，讲了这么多，其实这些内容讲是讲不太明白的，最好能实地演示........大家有兴趣就学点理论知识吧......冰人：因半路起家对剪辑理论知之不多，研究了很多片子，发现好的片子的剪辑无论是硬切还是转场效果,都是信手拈来,没有定律。而我剪的片子不用淡入淡出，总觉得有跳跃感，可能是心理作用吧，还有就是转场效果中翻白淡入淡出也用的比较多，但我用起来总觉得很别扭，不知道那方面差了火候，又不知道个所以然。其实也不是太复杂，你有没有注意好的片子的声音？？这些好片子如果不听声音、光看画面，你是不是也会有跳跃感？？我不知道你剪的片子有没有同期声，声音的连续是很关键的，有的片子完全*声音来贯穿整个情节，可能你的片子加上了音乐、一些现场声效后会好得多。另外在前面的基础上加一条：不能跳轴！！跳轴通俗地说就是摄像机的机位不能发生混乱。就比如说看足球，你有没有发现所有的摄像机都在一边？？你想如果全景上中国队从左向右攻过去，而到了特写却看见申思带球往左冲，然后中景又变成从左向右，再变成从右向左，那这场球赛肯定看晕过去当然，我们做片子遇上这种对轴向要求严格的情况不会太多，但是你剪片子的时候如果碰上画面之间过渡很别扭，但景别没问题、动作也连贯却又说不出个所以然，那很可能跳轴了，去找个机位相反的镜头吧！！或者到编辑软件中把画面水平翻转（呵呵，碰上有文字之类你就穿帮了）翻白淡入淡我们一般叫“白闪”，能够制造出照相机拍照、强烈闪光、打雷、大脑中思维片段的闪回等效果，它是一种强烈刺激，能够产生速度感，并且能够把毫不关联的画面接起来而不会太让人感到突兀，所以适合节奏强烈的片子，如果不择时机乱用，反而会更显的乱七八糟..................噗！噗！噗！噗？？---来人啊，把这个拿着闪光灯乱拍的家伙弄走！！还有一点：闪的时候必须和音乐的节拍相吻合，或者上音效（卡嚓、呼、刷....）右边例子是我们拍的一个小品，带有武打风格（呵呵，拍得好辛苦），讲的是一个石商（由本人扮演，穿短衣端褂的那一位哦）会见泰州名臣储罐，和他比武对词的一段戏。拍的那天下起了雷阵雨，把我们急坏了，可转念一想：专门去搞雨景，还得找消防队，折腾半天，更何况没有经费（这个片子才用了100元），老天爷长眼，免费给我们置景，嗯啊好干脆在雨中拍吧！！这段场景总共14个镜头，前面一段描写石商与储罐第一次交手，不分上下，接下来用4个空镜头（天、树、草、水每个1-2秒）夹白闪，配合呼呼的音效、还有雨声，制造出了两个高手对战之前紧张、压抑的气氛。在这里白闪的时间大约为闪入：3-5帧，闪出：12-15帧。为什么要这样？？这是由于人眼的瞳孔对于突发的强烈闪光来不及缩小调整“光圈”，而强光消失后“光圈复位”又有一个恢复期，造成前快后慢的特点，别小看这个，这可是个仿真过程哦另外，这4个空镜头无一例外都是固定镜头，镜头本身反映出的是信息是“静”，而快速切换的画面又赋予了这个片段的速度感，最终制造出了静中有动、动静结合的效果，平静隐藏着一种力量、一股杀机。换了运动画面，就不一定有这效果好，反正我想象不出来。可见静接静同样可以制造快速眩晕的速度感、压迫感！！！！其实剪辑水准和所处环境、经验很大的关系，毕竟我在电视台，每天就在剪剪剪......就象Ting一样，每天在做片头、所以随时可以拿出一大堆例证。，几百上千条片子从手里过，再差的水平也练出来了！再说，剪辑和做片头不一样，没有这么多的技术东西，人人都可以，所以要提高到一个水准，很快！有好的老师带，半年就可以剪得很漂亮了！当然，越是简单，往高层次里带的沟也越难迈，剪辑也要经历一个由简单到复杂再回归到简单的过程，最终吗 ........剪电影喽！！！！

影视表演的内部技术(1)

在正式学习这三大部分的课程之前，有必要先了解一下什么是电影表演艺术，包括电视表演艺术的方方面面，这样将对下面的学习有所帮助。
　　演员在摄影机或摄像机前，以演员自身为创作手段去体现影片内容，塑造人物形象的艺术,这就统称影视表演艺术，它的核心就是解决演员与角色的矛盾。
　　演员自身：在表演艺术创作中，创作者、创作的工具材料、和创作的产品即人物形象这三位一体统一于演员自身。
　　影视演员应掌握和磨练自身的外部表现工具－形体、五官、声音、语言以及各种技能，并掌握一整套表达人物情感、思想的内部心里技巧，他依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银、屏上。
　　表演艺术的创作主要表现在独特的再体现和鲜明的性格化，又能形象而生动地表现出隐藏在剧本字里行间的深邃的作者意念，并对剧作的人物形象作有个性的补充和体现。这种再创作，就要求影视演员有一定的思想水平和较高的文化和艺术修养，只有这样具以较深的理解力，丰富的想象力和形象的表现力，从而达到演员与角色、生活与艺术的统一，体验（即内部）与体现（即外部）的统一。
　　作为电影的种种特性，例如：它的逼真性、时空性、蒙太奇及电影特有的生产过程（电视也类似）必然带来镜头前表演的种种特点。
　
　　一、银、屏幕的逼真性：
　银、屏幕的逼真性要求表演的生活化，影视反映现实极其逼真，将真实的现实环境（实景偷拍时，包括现实中的人们）一一纳入自己的形象体系，这就是说，影视演员是在与现实相一致的真实景物中进行表现的。这就要求演员的表演与真实的环境融为一体，做到自然、真实、生活化。
　二、演员以导演的分镜头剧本进行创作，其表演必须在导演的总体构思下，通过综合手段体现出来。
　　演员创作角色的过程中，组成创作自我感觉的必不可少的各种因素和技术方法，如动作、假使、规定情境、想象、单位与任务、注意与对象、真实感与信念、速度与节奏、情绪记忆、交流与适应、逻辑与顺序、性格化、舞台魅力、肌肉松驰、道德与纪律、控制与修饰、面部表情、声音、语调、言语、造型等。为了掌握演技和进行具体的理论及分析影视片表演鉴赏，我们先从表演的内部技术学起。
　　　　　　　　
一、动作
　　表演（员）的名词就是动作。演员就是动作者。在生活中的任何一个动作，都有它的“原因”、“目的”和“结果”，这就是动作的三大要素。动作－是演员技术最主要的一部分。我们必须重视它。演员表演时，仅依靠外在动作是不够的，必须找出内在的根据（即目的）。如：1、削铅笔　　　　2、疲倦
　　二、注意力集中
　人在生活中，除了睡眠外，他的注意力是不停的、时刻集中在一定的对象上的。那么影视演员在银、屏上的注意力集中应该是什么样的呢？它是有意识地把注意力集中在表演对象上的一门技巧。银屏上或舞台上的注意多为有目的的注意。
　演员要强迫自己注意力集中，一方面要和实际生活一样，同时吸引你的注意力集中的对象必须明确。所以，一个演员必须养成一种自然的注意力集中的习惯。演员需要有注意的对象，对象越有吸引力，就越有力量控制演员的注意力。演员在排练过程中，有时会被私心杂念所干扰或被外界各种现象所吸引，离开了应注意的对象，将会出现肌肉紧张、慌乱等现象。演员运用“注意力集中的技术”，假借于想象虚构，给自己提供根据，并对对象加以改造，使之有吸引力，就能把内部和外部的注意力集中到注意对象上，从而排除私心杂念及外界干扰。
　演员有意识地运用注意力集中的技巧，可以对事物进行深入细致的观察，增强记忆，为创作角色储备丰富的素材。
　有的演员在喧闹的环境里也能进入角色，有的演员有一点声音就会被打扰吸引，使他不能进行富有创造力的工作。这就说明他还没有很好地掌握注意力集中的技巧。因此，训练一名新演员做到注意力瞬间完全集中在表演对象上是十分重要的。而要做到这一点，必须经常地、不懈地练习方能成功。
　　* 注意力集中练习题：
　 1、在屋里，注意听屋外有什么声音。
　 2、注意听外面的声音，忽然改变听门外有什么声音。
　3、触觉的注意力练习：蒙上眼睛，让他摸指定的人。
　 4、味觉注意力练习：体会各种不同食品的味道（酸甜苦辣）
　三、肌肉松驰练习（肌肉控制）
　肌肉松驰是演员消除肌肉紧张的技术。肌肉的多余紧张对演员总的自我感觉起着有害影响，会破坏正确的创作，妨碍对角色的内心体验及外部体现。一个演员如果没有很好的修养，容易犯有莫不开和精神及肌肉紧张的现象，这对表演艺术有极大的影响。
　例如：
　一个人平时行动很随便，但一站到镜头前，便总觉得手脚多余，没地方放，不知干什么好，这些现象都是肌肉紧张所致。一个演员为了表情逼真，必须尽力想办法使肌肉松驰下来，尤其是面部肌肉。
　那么什么办法可以使肌肉松驰下来呢？
　只有当注意力集中在某一种现象上的时候，肌肉才会松驰适度，动作才会自然舒适，注意力集中与肌肉松驰是互相帮助起作用的。也就是说只有注意力集中，就可以帮助松驰；反之，如果肌肉产生多余的紧张，也证明注意力没有很好的集中。
　演员在表演空间里，精神应该集中，肌肉应该解放，把精力很合适地消耗于动作中，有意识地锻炼肌肉松驰，有意识地锻炼和控制自己的肌肉松驰和紧张，达到能够自由运用肌肉的状态。在这种情形下的各个形体器官才能富有表现力，才能表达角色的内心体验，自由地流露出内在的情感，达到预期的创作效果。
　
　　*、肌肉松驰的练习：
1、坐在椅子上，使全身肌肉松驰到零度（即人在醉酒、重病时所表现出的一系列动作特征）
2、全身肌肉松驰后，紧张右腿的肌肉再将全身肌肉恢复适度。
　　四、想象与创作
爱因斯坦说：“想象力比知识更重要。”是的，演员要是没有想象会是什么样子呢？
　想象－是演员内部技术中非常重要的一部分，它是补充、启发演员内在创作的基础。演员在镜头前处理一个动作或一件事情，都必须利用“想象”。但“想象”是不能“假设的”。
　一个演员必须能够“假设”，“假设”就是创造的开始。影视剧中的一切全由构思造成，一切都是虚设的。如：道具、服装、景物、对话等，都不是自己生活中的，演员本身是以角色的身份出现的，他的任务是把剧作家构思的剧本，经过艺术加工，用动作、语言、形象等手段，逼真地表现在银屏幕上。我们要在假定的环境里，根据生活现实，真实地表现出来，这就需要演员的创作。
　每个演员必须要具有充分的想象力，把剧本的角色当作你本身的事，这种想象过程就是当你中途退场，场末又上场的空间里想象完全地把它联系起来。这种想象不是剧本和导演所能告诉你的。如：十分钟前你在扮演年轻的小伙子，而瞬间你已变成白发苍苍的老人，这就靠演员去想象这段时空的变化，从而确定起新的人物形象，由外形的年轻到苍老，由精神的活跃到迟钝，岁月的残蚀，青春的消失，由外形到心里，都需要你透过想象来完成。演员依据剧本提供的虚构事实和人物的基础，用自己对生活中熟悉、理解、感受、积累的素材。进入艺术构思的想象的过程，丰富和深化人物形象，在内心造成相应的体验欲求、意向和动作。所以，一个演员要有丰富的想象力，如果没有丰富的想象力或想象力迟钝的话，是很难做好一个演员的。
　想象是根据记忆而发展的，因此在生活中要注意把观察到的生活素材储存起来，放在记忆的仓库里，因为这是演员创作的素材，总会用得着的。
　　* 想象的练习
　 1、你到了非洲森林中，迂到了什么事情？
　 2、你死了三十年又活过来，那时中国将是什么样子？
　 3、看一张人物画像，想象出他三十年的经历。
　五、真实感与信念：
　真实感与信念是使演员对剧情所虚构的一切特有真情实感并真诚相信的技术。真实感与信念互为作用，同时存在；而没有二者，就不会有体验和创作。
　演员在表演空间里所接触的一切：布景、道具和人物都是假设的，都是由艺术的虚构而成的，演员处在舞台上和镜头前的每一瞬间都应充满信念，相信所体验到的情感的真实和所进行着的动作的真实，并假借于合乎逻辑和顺序的形体任务和动作，并用“假使”和规定情境来为行为和动作找根据，使演员获得真实感和信念，从而进入‘我就是’－存在着、生活着，我和角色同样地在感觉和思想的创作状态。
　如：二个人在生活中是夫妻关系，但在表演中却规定是敌我关系或其他矛盾的对立双方，那就要把对方当敌人来对待……
　有信念和真实感，戏才能感人，才能把观众带到剧情中去，如果演员对注意对象的信念不够，对对象的态度不对，就不能产生信念和真实感。
　　*真实感和信念的练习
　 1、把帽子当作小猫。
　 2、斧头和镰刀不好使了，把它磨的飞快，结果不小心把手碰出血了。
　 3、度假，去郊外湖边钓鱼。
　 4、夏夜，捉蝈蝈。
　　六、情绪记忆
　　情绪的记忆也可以说是‘情感的记忆’或者是‘激情的记忆’。演员可以调动来帮助自己创作角色的、对过去所体验过的感情和激情的记忆。情绪记忆在演员创作中不仅非常重要，而且也是演员内心创作的最好的和唯一材料，通过运用情绪记忆的技术演员可以回想起同角色在某种规定情绪中相类似的情感和激情，这样，对演员体验角色，同时还可以用情绪记忆的活生生的材料加以补充，使体验具有魅力和感染力，使演员的创作丰富而完整。
　除情绪记忆外，还有感情记忆。包括：听觉记忆、味觉记忆、嗅觉记忆、触觉记忆、视觉记忆。这五种感觉记忆能帮助情绪记忆。
　演员经常运用的是视觉和听觉记忆。如：看到一个陌生人，过后你能说出他的特征等；听音乐和歌曲，记住后能唱出来，这是听觉记忆。演员储藏的记忆越多，他的情绪越丰富，对创作角色越有帮助，所以演员应多留意生活中的各种现象，加以思索，一一储藏在宝库中，加强自己的修养……
　情绪是演员自己产生的，导演和其他各部门是帮助演员产生情绪的，而演员就根据导演所指示的方法，和其他条件，学会在镜头前能看见能听见，进入环境，产生出角色所需要的正确情绪来。

电影表演的基本特点

演员在电影摄影机前创作，创作成果反映在银幕上的表演艺术。演员的创作任务，是在导演的指导下依据剧本塑造典型、真实、富于鲜明性格的人物形象。表演艺术以演员自身作为创作工具，演员既作为人物形象存在，同时又作为创作者存在，也就是说，创作者、创作工具、创作的
产品（人物形象）全都统一于演员一身。在表演艺术中，演员要解决自身与角色之间的矛盾，他不仅要掌握和磨炼自己的外部表现工具;形体、五官、声音、语言等各种技能，还要掌握表达内心世界的内部技巧。

　电影演员是影片中人物形象的体现者，把文字的描写转化为活生生的直观形象。在这个转化过程中，演员不仅仅要再现形象，而且要通过表演补充形象，不仅仅是扮演，而且是创造。演员的创造主要表现在对角色独
特的再现方式和鲜明的性格化。这种创造需要演员深入和熟悉各种生活，并能正确运用表演创作方法去体现这些生活经验。优秀的电影表演要求演员与角色统一、生活与艺术统一、心理体验与形体体现统一。　电影表演与戏剧等舞台艺术的表演有着许多共同之处和联系。但是，由于电影自身的特性，使电影表演有它区别于舞台表演的诸多特点。　

表演的生活化电影的纪实性要求电影表演必须真实、自然、生活化。电影演员是在真实的外景或逼真的内景中进行表演创作的，这就要求演员的创作与真实的环境融为一体，同样真实。特别是20世纪50～60年代以后
，电影大量采用实景拍摄，有时演员就在大街上、商店里，在人群中表演，现实生活中的人与演员出现在同一银幕上，这就要求演员的表演和周围现实生活中的人一样自然真实，克服演戏感。现代科学技术的进步，电影器材的发展，使现实生活中的一切视听环境都能再现，使银幕最大限度地接近生活，这就对表演的生活化提出了更高的要求。另外，电影摄影机的运动随时改变着观众的距离与视点。在近景和特写中，演员的一个眼神、肌肉的抽动、皱纹的颤抖都清晰可见，任何虚假、夸张的表演都使观众难以忍受。当然，电影表演的生活化决非用生活去代替表演，不是自然主义地再现一切生活内容，它是以生活原型为基础，经过选择、提炼，再现生活中的人物性格的艺术

　　表演的非连续性
　　时空自由是电影艺术独具的特点。影片中镜头的分割与组合，可以将任何画面与其他画面并列。这种时空的自由造成电影表演的非连续性。为了生产上的需要，电影拍摄既不连贯，又不按顺序，它使演员在几个月甚
至更长的时间里断断续续甚至颠倒地生活（扮演）在角色中，然而电影在放映时又是连续的并不颠倒的，这就要求电影演员具有在非连续性的镜头表演中保持人物形象的统一性、完整性的能力，能保持人物思想、感情、性格的连续性。因此，要求演员在开拍前就把整个角色孕育得非常成熟，了解每一段戏的内容，把握其中角色的心理、感情，并熟悉与其上下连结的段落。这就要求电影演员充分深入地研究剧本，把握人物基调、
性格及其发展，掌握剧情的矛盾冲突和人物形体、心理动作线，确定角色的重场戏、过场戏和高潮戏，处理好表演的力度和节奏

　镜头感
　　电影演员是在摄影机镜头前进行表演创作的，因此必须有镜头感。镜头感包括：表演生活化；对画面的想象与体会；对不同景别、不同摄影技巧的适应；对摄影棚、实景拍摄以及无观众交流、无对手交流的适应。电
影演员必须学会分析分镜头剧本提供的条件并根据导演的艺术处理来设计和构思自己的表演，不同景别的镜头要以不同的表演分寸和手段来体现。远景和全景、近景与特写这两极镜头要求演员运用不同的动作幅度和功力技巧。前者更着重于外部形体的表现力，后者则要求更丰富的内心体验和细腻的表情。
　　
表演的总体效果
　电影在银幕上塑造形象比其他艺术在舞台上塑造人物有更丰富的表现手段，如不同景别的变化、蒙太奇结构处理、构图的变化、音响、音乐、色彩、光影等等。这些对演员的表演既是帮助，又是限制。演员的表演是
通过这些表现手段综合处理后完成的，必须考虑到其总体效果。因此，演员要熟悉电影的各种表现手段，在塑造人物时，充分发挥电影的各种表现手段来丰富、烘托、加强自己的表演

　生产条件对电影演员的要求
　电影表演不仅与电影艺术的特性有密切联系，而且受到电影企业生产条件的制约，电影演员必须适应其各种条件。例如，要经受无穷等待的考验：拍内景，要等布光、等摄影技术条件、等美工、等化装、等道具等等；拍外景，要等日出、等日落、等下雨、等下雪等等。又如要适应各种拍摄条件，如寒冷、高温
、强光照射等等

表演艺术基础知识

表演是人演人的艺术,也就是表现人的艺术,是体现人的感情生活的艺术。
艺术就是表现。
表演来源于生活而高于生活，生活是一切文学艺术创作的来源，取之不尽用之不竭的唯一源泉。
生活的源泉是表演创作的生命。
观察生活就是积累知识，知识积累越多想象力越丰富，没有想象力就当不了演员。
观察生活首观是观察人观察衣着打扮举止姿态神态语言环境手持道具。
平时要培养锻炼观察力储备力，也就是所谓的思维能力和创造力。
细节就是真实表演时注意细节才能达到真实。
想信规定情节注意力集中想象力一般及发设置障碍排除障碍感觉状态。
表演元素分为五力：观察力；想象力；感受力；理解力；应变能力。
元素引申为：丰富想象力；敏锐观察力；专注注意力；机智反应力；灵活适应力；牢固记忆力；鲜明表演力；准确理解力。
表演六感：分寸感；幽默感；信念感；节奏感；形象感；真实感。
表演需要让表演者做到把注意力集中到所要做的事情上，做到真听真看真感觉。

谈电影剧本创作之现状

“ 一个好的剧本可能拍出坏电影。但一个坏的剧本绝对拍不出好电影。”这是Sandi Berg, 一位为好莱钨工作了25年的剧作家给我们上课时的口头禅。在美国南加洲大学电影学院读了一段电影剧本写作后，我发现这句话并非Sandi Berg的发明，而是好莱钨电影界的名言。　　无独有偶，近来沉醉于英文剧本写作中的九哥，偶尔在中文网上看到一篇文章《中国电影四大难》。其中头一条就是“剧本荒闹了多年，无米炊苦了导演……电影剧本数量不多质量差。”为了证实他讲话的真实度，我在网上收寻了“中国电影剧本”。给我的回答是“为您找到相关网页8篇”，而从那8篇中我只找到一个剧本。凄惨！即使打入“九哥”两个字，都会“为您找到相关网页约10,800篇”。（如果有网友搜寻到更多的电影剧本资料，请赐教本人，不胜感激。）　　《中国电影四大难》文章接着提到“美国拥有庞大的编剧产业军，每年从高等院校编剧专业毕业的学生成千上万，导演在报纸上一登广告，剧本就会寄送上门，有些导演甚至雇人看成摞成摞的剧本，不怕海里捞针，沙里淘金。”　　美国编剧专业毕业生每年是不是“成千上万”，我无法证实。但根据我目前在好莱钨所闻，“花钱雇人读剧本”肯定是事实。但是，问题是为什么美国的各经理公司各代理人要花50美金一本“雇人看成摞成摞的剧本，不怕海里捞针，沙里淘金”？其原因就是因为金子太少了。换言之，在某种意义上，美国的导演们也有相当程度的“无米炊”之苦。　　上周我的一位老师很自豪地告诉我们她是Titanic《泰塔尼克》巨片的制片人之一；另一位老师更牛B，他是现在正在拍摄的《八十天环绕全球》的制片人之一。可他们所拍的剧本，都是出土文物。也正因为好剧本太少，一但好莱钨出了个卖座的电影，就肯定会“之二”，“之三”地拍下去，一直拍到亏本为止。　　美国缺剧本吗？No，剧本多如牛毛。但是，真正能派用场的却寥寥无几。Robert Makee 在他的“STORY”《故事》一书里说：“如今的世界，天天有成千上万的故事产品，但质量在腐烂。偶尔我们找到好的作品，但是更多的时间我们困乏在报纸的广告、录像带店或者电视排行版上找出有品质的素材……如今，故事的艺术在衰退。　　每年，好莱坞要出产400到500部电影，其中会有几部不错的，但大部分平庸甚至更糟。某摄影棚说每年他们要收到成千上万个脚本，但他们每年只能拍12部。好莱坞已经找不到更好的素材，令人难以相信的是，我们每年能在银幕上看到的平庸凡俗的电影，已经来自早几年最好的脚本。尽管现状如此的糟糕，好莱坞不但幸存了下来，而且还挺兴旺。那是因为它没有竞争的对手，尤其是在过去的25间，欧洲的电影质量走下坡路的状况下。（意译、九哥注）　　David Trottier 在他的“The Sreenwriter’s Bible”《剧作家的圣经》里告诫我们：“一个剧作家要打入电影圈子是很艰难的。但是，如果你剧本中的主人翁有一个清楚特殊的目标或任务（开头）；有一个强大的反面力量阻止他/她达到其目标或完成其任务，这种反面力量与主人翁的争斗逐步升级到高潮（展开）；经过斗争和奋斗主人翁战胜种种困难达到目标完成任务，从情绪得到极大的满足。（结尾）你的剧本就会自动进入了到前百分之5。因为当今的剧作人，真正懂得哪怕是最基本的剧本写作法的实在为数甚少。因此，绝大多数的剧本从一开写就已经注定是失败。（意译、九哥注）　　下面拿我所了解的情况说说。南加洲大学电影学院号称是世界上最好的电影学院。学院里有许多专业，如：制作、导演、音乐片、数码技术、编辑等等。在我们这一期三百多学生中，学剧本写作专业的只能算是少数民族。我所在的专业编剧班有十个同学。（就我一个中国人，其他一色美国鬼）就连这十个同学中，真正想当剧作家的恐怕不到半数。而就是这半数中，到目前为止，还只有老九写出了一部完整的电影剧本。我这样说，除了为自己做点小广告外，也让大家对美国内部的真实状况窥见一斑。　　记得学院有一次开座谈会，电影专业的学生约50人在坐，老师一问学生所学专业，结果学制片的一大片，学导演的一大堆，而学编剧的稀稀拉拉几个人中，想认真专门写作的只有3个，除老九外的两名女士中，还有一位不喜欢复写（re-writing）。　　学编剧为何如此不人气？我懒得去作全面调查，但原因之一肯定是利益问题。制片人弄到个电影拍就是桩实实在在的活。导演接部片子其经费预算中已经包括了他那一份。而剧作人，卖不出本子收入就是0，就得去加油站打工或到大学教书。（或者卖提琴）以本人的理解，人们可以说某某人是好制片人好导演，或者坏制片人坏导演，而对于搞编剧的，要不你是个剧作家，要不你什么也不是。　　是啊，正如《中国电影四大难》一文中所指出：“真正懂得电影剧本写作的基本语法、章法的人少而又少，现状悲哀。”那么，懂专业的剧作家们都干嘛去了呢？《中国电影四大难》的回答是：“都自己当导演去了”。美国却不同，真正懂剧本写作法的专家写个本子，或者改个本子就是几十万、几百万美金。他们去山顶海边享受与世隔绝的桃园生活去了。也难怪他们天天纳闷生活的源泉都跑哪里去了！　　我刚完成的剧本名叫“CHRISTIAN’S VIOLIN”，由本人的小说《提琴夫人》改编。（该书2002年由台湾优秀出版社出版）这是部纯粹用洋文写的洋戏。老实说，我写这个剧本，总觉得自己是在用我那土手掌功同人家的洋拳头打斗。尽管如此，“剧本基本完成”的消息一漏风，我就被制片导演围住。我的经理人立刻把本子拿到好莱钨注册版权。　　“我还没定稿，那个介词是‘at’还是‘on’我还没弄清楚啦。”我说。　　你猜那美国佬怎么回应：“How cares! 谁会在意！”　　看着我一本正经的样子，他补充说：“会帮你改过来的，美国懂英语的人很多。对了，你接下来准备写些什么，能不能列个单子出来。”　　虽然没拿到钱什么都不算，但至少从美国人对九哥的态度，证实了Robert Makee的另一段话：“近年来亚洲人走遍了北美洲和全世界，成为国际电影的一线曙光。其唯一简单的理由就是亚洲的电影制作人讲述着超凡的故事。所以，非好莱坞的电影制作人应该把眼光投向东方，那里有着把故事叙说得激情高超美丽的艺术家们。”　　我是中国人。中国人选择用洋文写作，从某种意义上，不能不说是一种悲哀。但我不敢把心中的苦衷吐出来，怕弄得满地臭铜钱味。然而，我毕竟是中国人，我那Made in China 的心里的程序是很难改变的。因此，九哥用中文写剧本的日子可能就是明天。　　“干嘛要等到明天呢”？　　听说中国国家广电总局电影剧本中心新制定了“基本稿酬＋优秀剧本追加稿酬”的付酬方式。不知道这个方式对外籍华人是否同样生效？少就少点，人民币也是钱啦！

电影剧本创作的一些建议

好的电影不一定能写成小说，但好的小说肯定能改编成电影。因为没有完整的故事是不能改成电影的，没有完整的人物关系也是不能改成电影的。这就引出了电影题材的问题。当然，有的题材好拍，因为他们贴近现实生活，易于展现；有的就很难拍，比如外星人来地球的戏，那就需要电脑特技。拍电影首先要进行题材的选择，我们称之为题材分析。其实并不像大家想的一样，编剧对所有的风格样式有一个固定概念，这对于商业片跟艺术片都是不大适合的。比如两个人的戏就比较不容易拍，通常群像展览式更加容易一些。因为在空间上处理起来会比较困难，不好处理，所以通常两个人的戏里都会运用一些声音场景，这类片子往往对话比较多，音乐比较多，这些都很重要。好莱坞是纯粹的商业电影。通常会有峰回路转的情节，荡气回肠的宏大场面。但其对于塑造人物丰富的性格，深刻地揭示思想感受都是不可能的。以前的《黑衣人》、《珍珠港》、《泰坦尼克》等都属于纯美国的一种快餐文化，只是给观众瞬间的满足就足够了。如果拍成纯艺术片或者情感片就不会有观众进电影院了。泰坦尼克走的情感模式加灾难的大悲剧背景，这就迎合了大众的口味，这是他之所以取得票房桂冠的原因。两个人的戏虽然不好拍，但是越不好拍就越富于挑战性，所以我们要重视这种样式的处理。电视和电影乍看像是一回事，仔细看根本不是那么回事。电视剧需要几个人，一个或简单或复杂的情节，然后演员不停的说，只要吸引住观众别换频道那么电视剧就算成功了，而电影则不然，他适于展现宏大的场景，或悲壮或热烈的场面，这些都是电视无法比拟的。连续剧靠的是说话。他需要揣摩的是如何使情节显得不拖沓累赘。再说电影，电影就有视觉的造型和听觉的造型，它们之间有一种良好的视听关系。比较海明威的《老人与海》，这种造型就不用太费苦心去想。有大海，有位饱经沧桑的老者就够了。电影更多的不是靠语言来说，而是靠环境的造型和艺术的感觉来表现人物感情世界。这始终是电影中灵魂的东西。也许观众有时不会明白，但实际上编剧却是下足了功夫的。只要不是纯商业片，就需要考虑内涵的取向。而我觉得艺术片往往更多的是感受，说取向可能不好说，但是谈感受可能每个人都能说半天。现代有一个共同的主题，就是怎样突破人性的障碍最后情感得以升华。有很多电影，写了种族之间、国家之间由对抗到渴望沟通到最终突破束缚。这种理想，在电影里做做白日梦，突破了，观众感动一回，得到了安慰就够了。把事情想的很复杂往往是自寻烦恼。所有的艺术里只有死亡和性最具感染力，因为只有死亡是可以预见的，而性是最能吸引人的。生命的底线是死亡。生命的意义和价值用什么来托起，就是死亡。只有在死亡的煎熬之下才有生命的辉煌。怀旧也是电影常用的模式，对死亡的惧怕与渴望，生命的真谛……年轻的时候，就和迷宫一样，走来走去也找不到出口，到了垂暮的时候，就只剩下一条道，离死亡越来越近。电影的的主题不是我们瞎编的，而是生活的积累，只有激情迸发才会写出感人的作品。电影中都要有高潮部分，真正好的喜剧不是为了最后让人笑，而是让人哭，揭示人性的方方面面，打动人。任何一个人物，要尽力去切入被写人物的心理才能获得最大的成功。中国人就喜欢煽情的电影，越煽情他越喜欢，不煽情他还骂你。接下来就是情节的构思。一部电影九十分钟很容易过去。很多作者老是跑题，老是不能切入正题。这样就是失败的。浪费大家的时间。学生写作文总是有主题思想，其实真正的主题思想有3中：一是思想主题，一是情节主题，一是情感主题。一个电影如果没有思想主题，就站不住；如果没有一个情节主题，光有思想也是不行的。再复杂的剧情都能用一个情节主题来概括。比如《黑衣人》就是人战胜外星怪物的故事。所以好莱坞导演们都要求下面的人把故事一句话说出来，看精采不精采。只有看到情节主题是否精彩才能预见电影是否卖座。情节主题是有模式可寻的，比如说有著名的“三十六个情节模式”，涵盖了基本的故事模式。这是一八几几年都已经定了，现在还是在写。电影学院的教授总结出了四个主要的情节主题模式。外部事件式。电影时间是有限的，它是以空间来表现时间的艺术。人都有对时间一种非常怜惜的感觉，有几个主要的时间，时间在事件过程里漫漫流逝。写泰坦尼克号，就必须从上船、出航、出事、直至沉没等写出一个全过程。人生历程式。写一个人漫长的一生。所有的传记片，如写末代皇帝，都是写一个人物的一生。这就要求人们对生命的理解，将人生写的跌宕欺负，人的生活也要写的足够精彩。这种样式主要是写人不是写事。人情关系式。这种样式的影片很多，好莱坞喜欢把两个人差别写得很远，把他们两人往一起靠。比较一个女大学生要写毕业论文，隔壁有个偷自行车的，却要让他们相爱。法国电影就写得比较温，如《巴黎圣诞节》，写两个相关差异不大的人的感情关系。这种相比写起来不容易，要明确写谁与谁，还要有特色，要写清楚，细节还要独特，还要精采，这才能让人爱看。这种东西真的写好后，会有一种沁人心脾的美感。是心理历程式。写心理的危机感在中国没有太多的观众。中国的观众往往现在还只是关心生活，餐桌，子女，下岗。像《野草莓》、《八又二分之一》、《辩护词》、《心理访问记》、《人鬼情》等等。以上就是电影学院常用的四大模式。电影在对话上表面是生活化的，实际却是包含了很多的潜台词。电影的潜台词一多，演员的功夫就要得厉害了。否则全是对话，令人看来兴味索然。像美国好莱坞影片或法国影片，人物说话就力透纸背，看了使人非常感人。总的来说电影还是一种视听艺术，如果能把握一种很好的声音与画面的节奏关系，就会拍出非常有意思的作品。把握电影节奏，如果拍下雪，如果把镜头由近及远，人物越来越模糊，就营造了一种主观感觉，这感觉就会很棒。我们有时会特别注意这样一些节奏的因素，如何能代替人的美感，要怎样把一些感受的东西表达出来，有时是很难的。但是人的情感有时可以找到他情感节奏的外在方式，用环境来反映人物的心境，这是电影艺术特别特殊的一种表现方式。要善于用视觉性的因素来表达一种节奏，来揭示人物之间的一种情感关系。初写剧本的人可以可以先写小品，一个小品的东西深刻不了，可麻雀虽小，也五脏俱全。看别人的剧本是如何写的，照葫芦画瓢编就行了。比如找《骆驼祥子》，了解了剧本的模式，情节的构思，相信大家加以时日都可以写出好的剧本的。我觉得：一个人生命的成功不是使自己真实地活着，生命的成功应该是扮演好自己的角色。

关于高清后期制作技术的问题

关于高清后期制作技术的疑问先简单回答楼主在详细说明高清素材在PC机上制作需要特殊的软件吗？现在pc上能正常支持HDV采集编辑的软件，我使用过的：EDIUS,premiere推荐前者为什么推荐使用EDIU以及两者输入HDV的方案有什么不一样，鉴于两个方案挺有代表性的下面我详细说明高清素材能否用１３９４直接采集可以，一般来说只要原来的用来输入DV的１３９４a就行，需要注意的是芯片问题，via和朗讯一般都没问题，推荐这两个，很多人的１３９４卡不能输入HDV 并不是１３９４a与１３９４b的问题，就是芯片问题只要　芯片没问题，板栽１３９４卡都没问题，我们试过，没问题输出编码用什么软件呢？EDIUS有他的自己的输出工具procode for ediuspremiere pro也有自己的也可以是用procod使用方法和以前的输出DV一样！AE直接编辑能否说明你要用AE做什么？现在有一款SONY的高清机器价格只在15000左右那肯定不是HD机器了，是HDV机器，码率上本质和DV是完全一样的，要不一盘DV带怎么还能录１小时的HDV呢？于是引出一个问题：一样的码率为什么HDV要比DV清晰？因为使用的了和DV不一样的压缩的方式：MPG2压缩方式（其实就是DVD的压缩方式）于是引又出一个问题：MPG2压缩方式的压缩比比DV大，按理说画质更差啊，为什么分辨率更高了？压缩比大和画质没有一定关系，很多国际上的高清信号用MP4方式传输呐！MP2优点就是在压缩比大的情况下获得一定理想的高清画面，至于为什么不用和DV的一样的压缩比，可能是因为DV带工艺本身存不了小压缩比的高清画面，可能sony不愿意换存储介质，可能......好的，回到楼主问题我们明白了我们拍摄的HDV画面是以mpg2的编码方式记录在DV带上的,那么以前用软件编辑过vcd,和DVD素材的朋友一定会有这样的体会：编辑起来很麻烦，要么软件不认，要么认了编辑起来也很顿，要么中途死机，其实不是软件本身的原因，而是：　用MPG编码标准在制定的时候就不是准备用来给你编辑的，而是用来传输，播放观看的，所以要想顺畅编辑MPG编码的视频文件，只有转换格式，这样又产生一个问题，转换格式就必然要产生损失，损失大小不同罢了于是自从有了HDV素材从DV带倒到电脑的机理就不象以前DV格式那么简单了，起码不一样了就产生了不同方案，我发现不同的软件有不同的解决方法不过新手也不用担心，从cao作上看输入HDV素材和输入DV素材是完全一样的，EDIUS是这样做的，HDV信号进来后直接转成EDIUS自带的HQ编码的avi文件，这种文件特点是编辑起来很方便，实时性能很好，编辑感觉很流畅据说HQ编码还获过国际大奖呢上面提到了转换编码的问题，这个是在DV输入里没有的，转的原因前面也说的，还要说的是，这样增加了对CPU的运算要求，大家一定试过dvd画面转成avi，对，EDIUS这个输入过程就是实时把HDV转换成AVI的过程，只不过你的这个时候要转换的素材分辨率又比DVD高了一截如你的机器连转DVD都做不到1:1那干脆别指望能通过EDIUS输入HDV，转入premiere方案．顺便说一下多快的CPU能呢？我们试过，p4 2.4的cpu在输入的时候已经看不见输入窗口的内容了，说明资源不行了，但是按停止输入后，发现素材倒入成功所以要想顺畅用EDIUS倒如HDV，建议P4３．０左右，奔D2.8左右，越快越好那么AMD呢？没试过，大家根据上面的选对应的，应该没问题，不见得一定只有intel行话题回到premiere方案，premiere为做软件起家的（EDIUS是做硬件起家的EZDV,DVstorm在标清时代可都是响当当哦！还有如今的SP for HDV NX for HDV）它在倒入HDV的时候是原封不动地把DV带上的HDV素材搬到硬盘上，是MPG 文件这样优点，输入的时候占用资源少，因为不需要转换编码缺点，编辑的时候不顺畅，远没有在EDIUS里顺畅，可能是因为是MPG 的原因由此看来，HDV要么在倒入电脑耗费了更多PC资源，对PC性能提出个更高要求要么在编辑的时候耗费了更多PC资源，对PC性能提出个更高要求从这个意义上讲，我个人认为sony这么做，从后期上讲，是技术上的倒退有的朋友会问，高清格式里面有没有压缩比小，后期对解码速度要求不高的文件呢？应该就是我们俗话说的＂纯高清＂----HD格式p2关于HDV和HD：HDV和HD都是＂高清＂，不是谁是真高清谁是假高清，因为高清标准制定很早了（具体什么时候忘了，但是肯定在DV出现之前，HDV和HD只不过是＂高清＂的数字格式），当初指定的时候就有很多争论但这并不是说他们一个等级的，　HD一般我们口头上叫＂纯高清＂我个人认为最主要就是因为它的画面采样是4:2:2而HDV是4:2:0，与DV一样，图象投放到高清电视，差别一眼就看出来，色彩实在，边缘无交叉串连，这是HD的能用肉眼一下子就看出来的还有一个区别是HDV一般指隔行，最高1080i，起码这个标准来源于搞清标准中的那个为了适应现有电视设备的而指定的的那个隔行标准，而HD一般都是逐行，之所以说一般，就是，比如，松下和索尼的HD还是有区别的《星战前转》等，就是使用的sony的HD，sony的HD最低1080p(p就是逐行地意思)松下好象只有720P，低不见得不好－－－－松下最新出的HVX200,建议大家到网上查查他的资料这可是老百姓可能承受的最便宜的“纯高清”机器哦！不用看编码，从文件量上看就能知道画面怎么样了松下HVX200拍摄一小时是６０G左右，而HDV才１３G　！显然前者压缩比要小，压缩比越小，视频质量就越好，这是没有疑问的，还有就是后期解码对系统要求反到更低了！唯一要求高的是素材硬盘的容量，那么4:2:2采样到底有什么好处呢？调色对不是普通特效，对HD调色，感觉就象在对扫描到电脑里的胶片调色的感觉，而且很不容易出现噪点相反，HDV拍摄正常暴光的素材，经过四层调色，连暴光正常的地方都开始出现不正常的纹理了同样是这四层，我用HVX200的HD素材，没有任何因为调色而产生的噪点当然损失层次先不谈，先测试。有人说调这么多色有什么意义么？不见得有意义，但是说明一个问题就是：HD素材前期能给我们更接近视觉经验的色彩表现，后期能给能给我们更自由的编辑空间，甚至让人看不出是胶片拍的还是数字拍的，因为内部的编码决定的这一切当然4:2:2远没走到头呢据说现在已经有了4:4:4的机器，到是有个疑问：为什么不把4:2:2做到标清DV上？说的再直接一点，４：２：２或者４：４：４是我梦寐以求的，什么１９２０*１４４０，１４４０*１０８０，９６０*７２０等高分辨率并不是我梦寐以求的，这是个信息量的问题：假如一个画面有很高的分辨率却没有详实的色彩还原，我们只能说它的信息量也不怎么高，别看是＂高清＂，我认为从技术上讲采样与分辨率完全没必要捆绑在一起而事实是，４:２:２ ,４:４:４往往就是和高清晰摄象机捆绑在一起，这是为什么呢？我看只能解释为商业利益，大家也可以按自己的方式理解说到这我又想到一件事：即使是想HVX２００这样的机器拍摄的4:2:2素材（一小时６０多G）在电脑里，通过一个编码，可以生成画质量完全一样（起码肉眼直接看是这样的！），但是文件量却只有原来的四分之一甚至三分只一！这个编码就是EDIUS中常见的康能普视值得骄傲的编码－－－HQ编码就是我前面说的HDV素材从EDIUS近来的时候生成的就是这个编码这个编码不但最大限度保证画质量，而且，文件量很小！编辑速度很快！怪不得获了奖那么我们是不是可以问：为什么不能把它用在摄象机里记录影像呢？再进一步问：同样是DV带，是不是可以记录和HDV同样分辨率但是却是远比HDV更好的采样（4:2:2）远比HDV更利于编辑呢？要知道，有多少人为了编辑HDV，为了更新的电脑的配置花了多少钱！！假如按我上面说的，不但用原来剪DV的机器就可以，甚至更低！更好的画质却要配置更低的电脑配置，这看起来胡说八道，但我认为这恰恰就是技术的进步！确切说，是编码技术的进步，是人的智慧的进步稍微熟悉编程技术的人都知道：同样的目的，不成熟的代码的量往往是成熟的代码的好几倍甚至几十倍，而代码更新的速度是相当快的，有时甚至一天一次，最常见的典型的就是就是：我们的论坛程序代码本身．代码，关联到我们的视频领域，可以认为类比为编码．HQ编码的诞生就是人家老外不断修改，不断创新，不断更新不断简化的结果！因为我们通常使用的一个机器的时间再短也是一两年，接触的记录格式就那么几种所以视频编码技术进步之快是很多人都感觉不到，假如技术上可以进步，而sony等却没这么做，那是为什么呢？有人说，你抬杠子，也许HQ本来就不适合用在磁带上，呵呵，说的好，那就是硬盘喽？？现在jvc那么多民用机硬盘２０G以上的不少啊！体积还作的那么小！所以，我看我们敢十分确定说，即使手掌机，总有一天会有4:2:2的机器诞生，甚至是４：４：４　！！！（可能我无知，是不是现在DVD光盘摄象机和小型硬盘摄象机已经有4:2:2了？需要有关朋友求证）什么时候会有第一台　，取决于技术垄断和商业利益，总之技术上我觉得一点也不难．就看人家愿不愿意做，谁让技术掌握在人家手里？？而且我还是想说，到了４：４：４的时候，数码视频画面的颜色，起码在视觉上，符合人们视觉习惯的程度已经完全可以和胶片相提并论了，

影视后期制作技术综述

电影电视媒体已经成为当前最为大众化，最具影响力的媒体型式。从好莱坞电影所创造的幻想世界，到电视新闻所关注的现实生活，到铺天盖地的电视广告，无不深刻地影响着我们的世界。过去，影视节目的制作只是专业人员的工作，似乎还拢罩着一层神秘的面纱。十几年来，数字技术全面进入影视制作过程，计算器逐步取代了许多原有的影视设备，在影视制作的各个环节发挥了很重大的作用。但是直到不久之前，影视制作使用的一直是价格极端昂贵的专业硬件及软件，非专业的人员很难有机会见到这些设备，更不用说熟练掌握这些工具来制作自己的作品了。随着PC性能的显著提升以及价格上的不断降低，影视制作从以前专业等级的硬设备逐渐向PC平台上转移，原先身价极高的专业软件逐步移植到PC平台上，价格也日益大众化。同时影视制作的应用也从专业的电影电视领域扩大到计算机游戏、多媒体、网络、家庭娱乐等更为广阔的领域。许多在这些专业领域的从业人员与大量的影视爱好者们现在都可以利用手中的计算机来制作自己的影视节目。
许多人接触到影视节目制作，是从3D计算机动画开始的，直到目前，了解乃至掌握3D计算机动画制作的人员很多，介绍这方面的书籍也不少，而对于影视后期制作，多数人并不太了解，相关的书籍也较少，而且一般也只关心某一软件的操作使用，而对于影视后期制作的基本流程和原理却不甚重视，希望读者能透过本书，不但可以了解和掌握软件的使用，同时也对影视后期制作的整个过程有一个比较全面的了解。
1. 影视后期制作概况
影视节目的制作是一个相当复杂的过程。由于影视节目本身的多样化，从耗资巨大的电影制作到个人制作的家庭录像带，可以说有天壤之别。虽然这些节目的使用意图，编列的制作预算，投入的人力物力都有很大的区别，但其制作过程却有相当的共同之处，一般来说，影视节目的制作可以分为前期制作，实景拍摄，和后期制作三个主要阶段。
前期制作是筹划与准备的阶段，对于电影制作来说，这个过程多半是从剧本开始，然后是制定预算、筹募资金、选定拍摄地点、挑选演员、组成摄影小组等一系列复杂的过程。而对于个人制作者来说，这也许不过是突发奇想，然后拿起自己的摄影机，拍摄周遭环境人物短短数分钟互动的事。
拍摄阶段就是利用摄影机记录画面的过程，这时拍摄的素材可以说是构造最终完成片的基石。
当主要的拍摄工作完成后，就到了后期制作阶段。传统上这个阶段的主要工作是剪辑，把拍摄阶段得到的散乱素材剪辑成为完整的影片。一般在电影的拍摄过程中，实际拍摄的素材是最终剪辑完成影片长度的数倍甚至数十倍。剪辑师要从大量的素材中挑出最满意的素材并把它们按照适当的方式组织在一起。后期制作还包括声音的制作与合成。一般只有到这个阶段，当多余的素材已经去掉，镜头已经组合串联在一起，画面与声音已经同步，才可以看到影片的全貌。因为影片的大量信息和涵义，并不是包含在某一个镜头的画面中，而正是包含在一连串画面的组合当中，包含在画面与声音的联系中，毫不夸张地说，影视艺术有很大的程度上正是表现在后期制作之中的。
传统的电影剪辑是真正的剪接，拍摄所得到的底片经过冲洗，要制作一套工作样片，利用这套样片进行剪辑。剪辑师从大量的样片中挑选需要的镜头，用剪刀将胶片剪裁，再用胶带或胶水把它们黏在一起，然后在剪辑台上观看剪辑的效果，这个剪裁、黏贴的反复过程要不断重复直到最后看当满意的结果。这个过程直到现在仍然很常见，虽然看起来很原始，但这种剪接却是非线性的。剪辑师不必从头到尾顺序地工作，因为他可以随时将样片随时从中间剪裁，插入一个镜头，或者直接剪掉一些画面，都不会影响整个片子。但这种方式对于很多制作技巧是无能为力的。剪辑师无法在两个镜头之间制作一个特效融合的画面，也无法调整画面的色彩，所有这些技巧都只能在冲印过程中完成，同时剪刀和浆糊的手工操作效率也很低。
传统的电视编辑则是在剪辑设备上进行的。剪辑设备通常由一台放影机和一台录像机组成，剪辑师通过放影机选择一段适合的素材，然后把它记录到录像机中的磁带上，然后在寻找下一个镜头。此外，高级的剪辑设备还有很强的特效功能，可以制作各种画面的融合与特效过场，可以调整画面的颜色，也可以制作字幕等。但是由于磁带记录画面是顺序的，无法在已有的画面之间插入一个镜头，也无法删除一个镜头，除非把其之后的画面全部重新录制一遍。所以这种编辑叫做线性编辑，它给编辑人员带来了很多限制。
我们可以看到传统的剪辑方法虽然各有特点，但又都有很大的局限性，大大减低了剪辑人员的创造力，并使宝贵的时间浪费在烦琐的操作过程当中。基于计算机科技的数字化非线性编辑技术使剪辑的方法得到很大的进步发展的空间。这种技术将素材记录到计算机磁盘中，利用计算机的运算与数据读取与储存进行剪辑的过程。它采用了电影剪辑的非线性模式，但用简单的鼠标及键盘操作替代了剪刀和浆糊式的手工操作，剪辑结果可以马上回放观看，所以大大提升了制作的效率。
随着影视制作的迅速发展，后期制作又肩负起了一个非常重要的职责：
特效镜头的制作—特效镜头是指拍摄无法直接得到的镜头。早期的影视特效大多是通过模型制作、特殊摄影、光学合成等传统手段完成的，主要在拍摄及冲印的阶段中完成。计算机数字的使用为特效制作提供了更好更多的手段，也使许多过去必须使用模型和摄影技术完成的特效可以透过计算机科技来制作完成，所以更多的特殊效果就成为了后期制作的工作。
特效镜头无法拍摄到一般是由于两种原因，一是拍摄对象或环境在现实生活中根本不存在，或者即使存在也不可能拍摄到，例如恐龙或是外星人；二是拍摄的对象和环境虽然在实际生活中存在，但无法同时出现在同一个时空中，例如影片的主角从剧烈的爆炸场景中逃生。
对于第一种困难，就必须利用别的东西来模仿拍摄的对象，常用的手段包括制作模型，利用对人的化妆来模仿其它生物以及计算机的3D动画，实际上3D计算机动画也是一种模型，只不是它是存在在计算机中的虚拟模型而已。总之要解决这类问题，需要用一种无中生有的办法。
对于第二种困难解决的方法就是合成。既然拍摄的对象都是存在的，就可以单独拍摄他们，然后在分别把拍摄的这些画面合成起来。过去，合成主要依靠特效摄影和冲印时的技巧来完成，但计算机数字合成技术的快速发展使这些方式都相形落伍了。在近年来特效电影的迅速发展，并带动了整个电影工业的成长。计算机数字合成技术与3D计算机动画有很大的差别，它本身不是无中生有的一种技术，而是利用已有的素材画面进行组合，同时可以对画面进行大量的修饰、美化。可以说是一种锦上添花的一种技术。
对于电视节目来说，我们经常可以看到这样的画面，画面本身就是由很多没有关联的物体组合而成，显然不是透过拍摄，而是透过合成得以的。例如很多电视片头，广告，MTV等节目就是如此。这时合成的首要逃条件不是真实感，而是纯粹的审美和形式感，但从合成的技术方式来说与拟真的合成没有太大的差别。
经由以上的介绍，我们大致总结出影视后期制作的样貌：利用实景拍摄所得到的素材，透过3D计算机动画和合成的技术来制作特效镜头，然后把镜头剪接组合在一起，形成完整的影片，并且为影片制作声音。在以下图中我们可以看到电视数字后期制作的基本流程。目前大部份的电视节目，从广告、片头、MTV、电视剧等都是按这样的工作方式制作出来的。
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2. 数字合成技术概论
提到数字合成技术，恐怕朋友们没有像对3D计算机动画那么熟悉。其实在数字影视技术应用越来越广泛的今天，作为其中一个独立科目的数字合成技术，在影视制作中扮演着丝毫不比3D计算机动画技术逊色的角色。可以毫不夸张地说，数字合成技术是现代影视制作中应用最为广泛的一个数字技术。几乎所有好莱坞现代大制作影片都使用了数字合成技术。
为什么大多数人或计算机动画的爱好者对数字合成技术的认识较为肤浅？造成这一个状况的原因是多方面的。首先，数字合成技术的应用非常的广泛，正因为如此，人们在各种影视作品中经常都能看到，反而对其习以为常，而没有去进行深入的思考；其次，即使人们注意到一些非常精彩的计算机特效画面，而吸引我们大部份注意力的，往往又是画面中的3D计算机动画的部份，却忽略其中数字合成技术所扮演吃重角色的部份。
人们看到侏罗纪公园、星际大战、黑客帝国等电影时，一般都会对其中的计算机特效画面叹为观止，有心的观众又会对其中的计算机3D特效做出自己的评论或想象，而很少会有人能考虑到3D计算机动画所做出的恐龙、外星人等等角色是如何在真实的场景中进行表演的。而数字合成技术正是能解决这一问题的有力工具。此外，还有很多人们看不到的特效，如阿甘正传中的阿甘与肯尼迪总统握手的画面，计算机特效在这样画面中的应用更不容易引起人们的注意，但只有透过数字合成技术的应用（计算机3D技术对这种画面的处理也经常无能为力），我们才能看到这些精彩且不可思议的画面。
这些美国好莱坞的电影与我们一般人相距太远，无论其制作所用的硬件及软件，还是制作人员的经验水平恐怕都是一般人难以迄及的。既然如此，让我们回到最为普通而熟悉的电视上吧。大家在电视中经常看到的电视片头、MTV、广告片等大都用到了数字合成的技术，只是粗心的我们很少对其做出深入仔细的思考罢了。虽然数字合成技术所使用的硬件及软件工具多种多样，性能与操作方法也各不相同，但是殊途同路，合成的基本概念与方法都是一致的，合成的经验取得及制作能力也是一个由浅入深，由低到高的一个循序渐进的过程，大部份的一般人完全有可能透过现有各种较为方便的数字合成工具的使用和训练，逐渐掌握数字合成技术的本质和精髓，进而成为经验丰富、技术高超的制作人员，随心所欲地做出各样精美的计算机动画特效镜头。

经验之谈：摄像机自动停机保护及其对策

摄像机自动停机主要有以下三种情况，在使用时要区分不同的情况，进行有效地维护：
1、摄像机在没有任何操作6分钟后，会自动停机。如果在演播室中或在其它场合直播时使用这种摄像机，突然停机是不行的。其实，要解决这个问题方法很简单。只要取出带仓中的录像带，问题就解决了。因为MINl DV格式录像带是金属带，特别容易磨损磁头，所以摄像机在没有接受操作指令6分钟后会自动停机保护磁头。一旦录像带被取出就不会因为保护磁头而停机了，摄像机可以连续工作。　　
2、当摄像机内部和录像带上已经凝结湿气时，摄像机会自动保护而无法工作，并且几秒钟后会自动关机。这时千万不要强行开机，这样很容易损坏磁头，造成不可挽回的损失。去摄像机内湿气最好的方法就是把摄像机放在通风的地方，一两小时后再使用，机器就会恢复正常。遇到紧急情况时也可以使用电扇、电吹风或空调的自然风吹干。千万要注意的是不能用热风或冷风吹，否则会影响摄像机的使用寿命。　　
3、当录像带表面上有划痕或不平整的时，摄像机也会停机保护磁头。这时要特别注意操作，否则会造成卷带，以至录像带无法再使用。正确的操作方法是：当自动保护时，立即关闭摄像机电源。过一分钟左右，在关闭电源的状态下，取出录像带，并查看录像带表面的划痕情况。如果划痕很多或很深，应立即停止使用这盒录像带；如果划伤情况不是很严重，可打开摄像机电源，放入录像带，并把摄像机切换到放像状态(VTR)，用快进功能(不能用PLAY，否则会损坏磁头)，放过有划痕的地方，录像带可继续使用。

高清摄像机的使用心得

谭俊、袁建辉先生，广州电视台制作部技术人员
关键词：高清晰度　摄像机　拍摄
　　数字高清产品进入我国广播电视及影视制作领域大概有4年多的时间，由于我国数字高清晰度电视(HDTV)播出标准未定，高清和标清电视播出系统的差异，高清设备价格昂贵等因素影响，真正使用高清摄像机进行节目创作的人为数不多。2003年底，我台引进了一套Sony高清摄录设备(包括HDW-730高清摄像机)及XPRI高清非线性制作系统。通过理论学习和拍摄实践，我们总结出高清摄像机使用的技巧和注意事项，在这里与大家作一交流。
　　在使用高清摄像机拍摄时，影响画面效果的关键因素是焦点、光圈、色温和构图。
对焦
　　使用标清摄像机拍摄时，通常是先固定镜头、校准后焦，再将镜头推到最远端并聚实焦点，然后拉回到所需要的景别，从而实现了焦点聚实。在使用标清摄像机时，这对许多摄像师来说都不是问题。但是，在使用高清摄像机进行拍摄时，如果还是使用这种传统方法，往往达不到最佳的效果，原因在于不能准确聚焦，结果导致图像模糊。从景深角度进行分析，在拍摄图片时，对同一景别，在焦距相同、曝光组合相同时，在大幅底片上所产生的景深比小幅底片要小。为什么具有相同尺寸CCD的高清和标清摄像机，在同一景别中高清所产生的景深会小呢？这是由高清图像的清晰度所引起的。由于高清图像清晰度高，水平视角比标清的要大，产生的景深自然要小。所以，如果我们按标清摄像机的常规操作进行高清拍摄，聚焦时一定要注意这个问题，否则就会出现对焦不准的现象。
　　使用HDW-730进行拍摄，如何才能获得清晰的画面呢？经过多次实践，我们发现可以参考图片摄影的方法来控制高清摄像机的焦点，其方法为：首先，打开EZ-FOCUS功能(即将光圈开到最大)，即使使用变焦镜头，也应该像使用定焦镜头一样，先选择自己所需的景别，构图完成后进行聚焦，确认焦点完全聚实后，再调整曝光量，控制景深，进行拍摄工作。说实话，在2"大小的电子寻像器里能聚实焦点，也是挺不容易的。如果采用以上方法还做不到，那么每次拍摄时最好带上大尺寸的高清监视器，或者用皮尺测量予以辅助，但这样一来就很麻烦。除此之外，还可以使用一些聚焦的辅助工具。目前，富士能公司已经研发出精确辅助聚焦的镜头，被称之为自动聚焦镜头(Precision- Focus)。从结构上说，它是在ENG镜头部分装入了两组CCD，根据这两组CCD成像重合的偏差，达到最佳焦点，实现精确辅助聚焦功能。
　　在拍摄高清节目时，使用变焦镜头变焦，会出现微小的像面漂移现象，不同焦距处的最佳焦点位置未必精确一致；还有就是在聚焦过程中，由于镜头的行程较短，可能会出现焦点无意被改动的情况。所以在高清拍摄时，要想得到清晰度高的画面，必须控制景深，使得拍摄主体前后清晰的范围变大。
光圈的调整
　　其实就是准确地控制曝光量。曝光量直接影响到画面的层次、细节、色彩饱和度，所以只有准确把握曝光量，才能得到更完美的图像。我们暂不考虑“冷”调和“暖”调的情况，从中间色调的画面来说明高清摄像机光圈的调整。因为高清摄像机水平清晰度提高，其画面宽容度更接近电影胶片，层次比标清更加丰富。在拍摄景物时，需认真观察被摄景物的明暗程度及明暗部分的分布范围，根据亮部和暗部的取舍及与拍摄主体的关系，确定曝光量并调整光圈的大小。高清摄像机还提供了伽玛曲线的调整。当拍摄的景物高亮度部分比较大且超过了CCD所能表现的范围时，图像的高光部分就会出现泛白现象，导致高光部分层次和细节丢失。当被摄景物处于比较暗的环境中，如果超过CCD的最低照度范围，图像暗部就会层次减少甚至丢失，表现为画面一片漆黑。这时可以通过调整拐点、伽玛曲线和黑伽玛曲线进行画面的补偿和修饰。
　　(１)在画面处于高亮部分时，先打开“paint”菜单中的Knee选项，设定拐点(Knee Point)的范围，以增加高光部分的层次和细节。其工作原理为：在正常亮度范围内(0.7V)，CCD呈现理想的线性光电转换特性，景物亮度与输出电平成正比关系，CCD就能表现景物真实的亮度；当亮度电平超过0.7V时，信号被限幅，图像表现为“泛白”。调整拐点后，CCD的光电转换特性在高亮度时线性的斜率变小，使图像中高亮度部分的层次变得丰富。
(2)在较暗的环境中，打开“paint”菜单中的Black Gamma，调整黑伽玛的范围，得到所需的暗部层次。其工作原理类似于拐点的调整，在不影响中间部分的线性特性并保持绝对黑电平的情况下，进行黑伽玛高、中、低档的调节。另外，通过寻像器，可以借助斑马线和自动光圈辅助控制光圈。斑马线的用法是：当70%的斑马线(粗纹)出现时，表明画面的亮度电平还在0.7V范围内；当100%的斑马线(细纹)出现时，表明已经超过0.7V的范围。高清摄像机的自动光圈功能中，还设置了区域测光和自动光圈过载功能。区域测光是指在选择测光范围中进行测光，其大小和位置可调。通过自动测光后，还可以人为细调。采用这个方法进行调整是不够精确的，误差约在半档光圈之内。此外，也可以借助18%的灰板进行测光。最可行的方法还是根据目测灰度来确定曝光量，在条件允许的情况下，使用高清监视器和高清示波器更好。
色温调节
　　每位摄像师都知道，在拍摄前都须要进行色温校对。首先在调节白平衡时分两步：粗调和细调。粗调就是选择正确的滤色片，大范围地进行粗略的调节。然后进行细调，具体做法是：选择标准的白纸置于同一光源照射下，采用顺光照明，镜头对准白纸并使其充满画面，先调整黑平衡，再进行白平衡调节。在高清拍摄中，有几种情况需要注意：
　　(1)外景。在自然光下拍摄，主要存在色温的问题。色温主要受太阳光与周围漫反射光的影响，为了使色彩正确还原，调节白平衡时，白纸应放在呈45°角，能反射阳光和周围漫反射光。在阴天时，白纸要压低点，让它既能反射阳光，又能反射景物周围漫反射的光线，以达到较好的色彩还原。白平衡调整完毕，在光线变化不大的情况下，不必重复调节，这能使画面的色调保持流畅。
　　(2)演播室内，一般灯光色温较统一，比较好处理。如果同时使用彩色灯光照明，调整白平衡时应注意不要受其影响。
　　(3)自然光和人工光环境下拍摄。如果人工光是高色温光，可以直接用5600K进行白平衡调整；如果人工光是低色温光，则只能在灯光上加升温的色片，再进行白平衡调整与拍摄。在使用低色温灯时，如果直接调整白平衡，自然光照到的景物就会偏蓝，拍摄主体色彩还原正常，背景中小部分的偏蓝是可以接受的。画面中不同色调的存在如果控制得好，可以增加画面的层次，加大图像景深，增强空间透视感。
　　高清摄像机的灵敏度与标清摄像机基本相同，为了充分表现高清晰的画面，更需要发挥照明的作用。如果光用得不好，画面上有可能会使粗糙凸显，这类似于焦点不实的现象。特别是如何有效地利用画面水平方向的扩展部分，这就更需要合理运用灯光照明技术。
　　在阴天或多云天气下拍摄时，需要灯光辅助，达到较高的成像效果。在亮度反差很大的晴天拍摄时，使用反光板等会得到效果较好的图像。总而言之，高清拍摄时照明用灯量应比标清多。
　　以上所述都是为了得到正确的色彩还原。但在实际创作中，有时为了强调某种气氛，或者表现一种特殊气氛，增强画面的艺术感染力，常常有意识地去改变画面的色调，以达到主观表现景物的意图，实现理想的画面影调效果。高清摄像机HDW-730为我们提供了更便捷的方法：
　　(1)电子色温控制。其实就是人为地手动调节画面色温，但必需借助标准的高清监视器。在“Paint”菜单中的WHITEZ第一项COLOR TEMP，允许操作者手动任意调节。打开这项功能，就可以开始随意创作了。
　　(2)自动白平衡跟踪。这是一项比较少用的功能，在画面整体光线色温变化的场合中较实用。
　　(3)彩色矩阵。使用HDW-730进行拍摄时，画面的色调还可以使用多区彩色矩阵进行颜色的修饰和调整。选择特定的颜色，在22.5°的范围内进行色调调整，也就是整个色域的1/16。此外，它还允许色饱和度的改变，主要调节菜单中的Saturation参数。
画面的构图
　　高清主要采用16∶9的画幅比，而标清主要采用4∶3的画幅比。初用高清摄像机的时候，我们第一感觉就是视角很宽，16∶9的构图方式显得大气，而且包含了更多的信息量，这在拍摄大场面或大全景时非常有表现力，更接近电影的视觉效果。在镜头的选择方面，高清镜头是以电影镜头为参考，画面不仅柔和，而且清晰度高；景深小，立体感强；对镜头的透光率要求也高。在相同焦距段时，高清镜头比标清摄像机镜头的视角大。高清摄像机所用的标准镜头近似于标清4∶3摄像机的小广角镜头。
　　再谈一下构图创作。构图创作在主观上并没有什么条条框框。从电视画面的角度看，构图就是镜头语言，通过画面讲述拍摄者要表达的内容。在视觉效果上，须要掌握一些规律，尤其是使用16∶9画幅比进行构图时。从突出主题出发，画面离不开线、形、色调、影调这4大元素。根据上述要求，在16∶9的构图中，由于水平视角的增大，更需要留意线条在画面上的延伸感，形成视觉上的透视感；形状上要注意主体和陪衬体的合理位置，既要有对比、又不失平衡，虚实的比例也要控制恰当；在色调处理上，要根据色彩的特性、变化、位置及色彩间的相互关系，发挥自己的创意；影调的处理将直接关系到画面的层次。还有一点，高清摄像机16∶9的取景也可设置为4∶3的画幅比，这时可以采取原来的构图方式。（全文完）

2007年4月29日星期日

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